“La Venus y la Madelene” Joel Meter Witkin

Para partir en el campo estético podemos encontrar varios símbolos, como por ejemplo el ala que
se encuentra a los pies de la cama, esta representa de alguna forma tanatos ya que de forma normal el ala representa el vuelo de una ave, libertad y el hecho de verla cortada ahí, vemos la destrucción del ala, la perdida de libertad.

También podemos ver una virgen en posición frente al pubis de la mujer, esta imagen es bastante irónica, porque una virgen representa la virginidad (representa su nombre) y el hecho de estar frente al pubis y que además la mujer este con una vara en sus manos la cual representa un símbolo falico que levanta la “capa” que esta virgen tiene nos muestra una especie de provocación.

La posición de la mujer también es un poco burda, exagerada, su cuerpo demasiado doblado, una exageración de una posición más bien sexual.

Y así todo esto tiene una repercusión en el campo socio cultural ya que las fotografías que podemos observar de Joel Peter Witkin son bastante perversas, pústulas, supuraciones, tumores, malformaciones, injertos entre hombres y mujeres, niños, animales, etc, provocación en todo ámbito, cosa que logro que la gente con lo monstruoso, de sus fotografías encuentren el argumento en torno a los cuales giran las violentas, perversas, provocadoras y hasta insolentes escenografías de las que forman parte cadáveres, miembros amputados, hermafroditas, enanos, personas con malformaciones y eso hace que la gente se asombre y se sienta perturbada al ver estas piezas.

En síntesis las obras fotográficas de Joel Peter Witkin no lograron pasar desapercibido, ya que la monstruosidad y morbosidad de sus fotografías causaron diversas opiniones en la gente, llegando a extremos, así como a algunos les pareció muy particular y original su manera de tratar los conceptos en la fotografía a algunos les pareció repugnante e inmoral ya que este juega con los cuerpos muertos, los mutila, los une unos a otros, los hace posar de formas obscenas ente humanos e incluso entre humanos y animales, cosa que hace que los cuerpos ya muertos se vean aun mas grotescos de lo que ya son.

Por lo que el con su “innovadora” forma de captar los cuerpos sean humanos o animales con la fotografía pasaron hacer un estilo de fotografía en el mundo, llevando a cabo criticas de forma positiva y también muy negativas que hacen que este fotógrafo marque una forma de fotografiar y que al fin y al cabo logre lo que el quería llamar la atención con su fotografía, hacer una critica y que esta quedara en los ojos y la mente de la gente por el impacto que causan sus fotografías al verlas.

Diana Grudechut.P

los 3 grandes de españa

Para partir yo escogí 1 colección especifica por cada artista, la de Francisco Goya es “Tauromaquia” serie que consta de 33 grabados en los cuales se refleja las fiestas taurinas españolas, la de Joan Miró es “Ubu Roi” las cuales son 26 ilustraciones sobre “Ubu Roi” del francés Alfred Jarry, las que fueron trabajadas por el artista como una critica surrealista a la sociedad franquista, y en el caso de Pablo Picasso escogí la colección “La Celestine” presente con 66 ilustraciones realizadas en 1968 inspiradas en una obra literaria la cual habla del periodo de transición entre el medioevo y el renacimiento.

En caso de Goya podemos ver en extenso el tema relacionado con los toros reflejando en sus obras esta macabra tradición, mostrando al rodeo, el mundo de los toros con una visión rotunda y dramática. Visión que rompió completamente con lo tradicional del ámbito taurino, provocando al publico por que este no acostumbraba a ver la visión siniestra que este plasma en sus dibujos , ya que finalmente no prevalece la muerte del animal sino la del héroe popular, un análisis y una critica por parte del artista muy dura frente a esta antigua tradición.

En cuanto a la colección “Ubu Roi” de Joan Miró como ya lo mencione el intenta plasmar en sus obras una critica surrealista a la sociedad franquista de la época, basado en la obra del comediógrafo Alfred Jarry la cual montada como un espectáculo de marionetas provoco en el publico gran escándalo ya que esta era satírica, llevando a la palestra el arribismo y la hipocresía que se ocultaba en las convenciones sociales de aquel tiempo, usando así el carácter burlesco, la violencia y la carga critica, provocando la conmoción en el espectador, llevando a cabo criticas y reproches de parte de ellos hacia estos artistas.
Finalmente en cuanto a las obras de Pablo Picasso encontré 66 ilustraciones en agua fuerte y agua tinta realizadas en 1968. Inspirada como ya lo nombre en una obra que fue muy significativa dentro de la literatura española de ese tiempo la cual hablaba del periodo de transición entre el medioevo y el renacimiento, estas enfocadas específicamente en los encuentros amorosos de los protagonistas de la obra literaria, la cual también es parte de una serie muy famosa llamada “347”.

Son tres pintores a la vista tan diferentes, unos mas realistas unos surrealistas, unos usan mucho coloridos como otros no, y así podemos darnos cuenta que estos no tienen ningún parecido tan evidente, pero si podemos encontrar “detrás” de estas tres colecciones una utilización de sus obras como una arma para criticar y provocar, criticas tanto a las épocas respectivas en las cuales estos pintores hacen su material o como en el caso de Pablo Picasso provocando a través de sus cientos de desnudos, tema que el utiliza extensamente en sus cuadros, ellos rompen con los parametros que hasta ese entonces utilizaban los pintores en sus , dibujos, litografias, etc... Causando estragos dentro del rubro, porque su arte comenzaba hacer mal visto, como tambien al contrario comenzaron a hacerse un espacio dentro de el arte y a crear asi una linea distinta dentro de este.

Les Demoseilles d`Avignon

Imagino que de alguna forma, Picasso quiere demostrar que lo “bello” que toda gente cree como bello no recae en un solo parámetro, es por esto que la pintura “Les Demoseilles d`Avignon” no tiene esa “belleza”, pero si lo que Picasso con su visión única, estas mujeres sin expresión, sin movimiento, tan rígidas como se ven pasan a ser parte del arte que Picasso implanta dentro del arte que hasta ese día rige.

Así también como pude leer en el texto, pude encontrar 3 visiones sobre esta famosa pintura de Picasso, estos analistas tienen visiones bastantes diferentes por lo que no es muy fácil sacar una conclusión de lo que quiere lograr Picasso con su nuevo estilo pictórico, Khanweiler cree que este es un cuadro inacabado que da inicio al cubismo en cambio, Barr, otro analista de esta obra acepta la postura de Khanweiler pero cree que aún no es un inicio del cubismo sino que es una transición donde se esta llevando a cabo unos experimentos por parte de Picasso, en la cual va a concluir el cubismo.

Por último, encontré en este texto la visión de Goldin, el cual propone que no es un cuadro cubista y que ni siquiera es precursor de este ismo, él cree que es un cuadro donde hay una búsqueda de equilibrio entre la representación abstracta de un cuadro y la representación de la objetividad ligada al intimismo.

En base a esto, puedo rectificar lo que creo, Picasso quiere que cada uno vea como quiera la “belleza” que él impone en su cuadro, ya no es un estilo que tenga una sola definición, el espectador tiene que poder contemplar la obra, analizar la imagen y ser participe del cuadro, ya que en sus cuadros encontraremos fragmentos, aveces demasiado distintos uno del otro llegando hacernos pensar que no tienen coherencia entre si, asi que nosotros deberemos hilar estos fragmentos para poder encontrar una opinion del cuadro en si, obteniendo una visión propia de este, asi de esta manera Picasso rompe con los paradigmas del arte, jugando con las críticas de cada espectador y asi tambien trasformando su tipo de arte tan particular en una conmocion dentro de los grandes del arte.